Em um mundo dominado por ferramentas automatizadas e soluções prontas, Soma defende a importância de reconectar o designer com o pensamento manual e analógico. A proposta não se trata de abandonar a tecnologia, mas de utilizá-la de forma mais consciente e estratégica. O método estimula a prática de atividades que antecedem o uso da máquina, como o esboço manual, o brainstorming livre e o desenvolvimento de conceitos de forma mais espontânea.

Para ele, o design se fortalece quando o profissional exercita a criatividade antes de abrir um software. Isso permite que as ideias sejam mais autênticas, menos automatizadas e, principalmente, mais humanas. Soma acredita que o design, antes de ser digital, precisa ser conceitual e emocional, pois a tecnologia só executa o que a mente humana já criou.

A metodologia de Alexandre Soma não é apenas uma teoria bonita no papel. Sua prática tem impactado o mercado de design de forma significativa. Profissionais que aplicam essa abordagem se destacam por apresentarem portfólios mais autorais, criativos e impactantes. Muitas agências e estúdios de criação têm valorizado designers que demonstram domínio do conceito, não apenas da técnica.

Essa prática também tem repercussões positivas no bem-estar dos próprios designers. Ao reduzir a dependência de máquinas e softwares, a ansiedade por produtividade constante é diminuída. Soma sugere um caminho mais humano, onde o designer resgata o prazer de criar.

Exemplos de Aplicação do Método

Criação de Identidades Visuais: Ao aplicar a metodologia, designers começam o desenvolvimento de logos no papel, com esboços rápidos e livres. Isso permite soluções mais originais, sem o “efeito de template” que muitos softwares de design sugerem.

Ilustração e Direção de Arte: Ao invés de partir diretamente para as ferramentas digitais, artistas são incentivados a fazer colagens, estudos de cor e formas com materiais físicos. Essa prática gera composições únicas e com um aspecto visual mais orgânico.

Design de Produto: Na área de design de produto, o método é um convite para o protótipo físico. Muitos profissionais estão retornando ao uso de argila, papelão e outros materiais para criar modelos antes de usar programas de modelagem 3D.

Em tempos de inteligência artificial generativa, onde ferramentas como DALL-E, Midjourney e ChatGPT produzem imagens e textos automaticamente, o método de Alexandre Soma surge como um antídoto contra a padronização. A IA é poderosa, mas não substitui o pensamento humano. Assim, Soma propõe que, ao focar no processo criativo antes de usar a tecnologia, o designer consegue criar trabalhos mais originais, emocionais e marcantes.

Em resumo, a metodologia de Alexandre Soma é uma chamada à ação para resgatar o papel do humano no design. Num mundo onde a máquina faz tudo por nós, quem se destaca é quem cria o que a máquina não consegue replicar: o único, o raro, o imperfeito

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Catarina frequentemente utiliza formas montanhosas para representar os contornos dos corpos que ela pinta. Esse recurso visual não é apenas uma escolha estética, mas carrega consigo significados profundos. Para a artista, as montanhas simbolizam raízes e permanência, ligadas às suas próprias heranças culturais japonesas e okinawanas. Elas remetem a uma fortaleza silenciosa e imutável, que testemunha e guarda as histórias da humanidade. Em sua obra, essas montanhas desenhadas no corpo representam não só as camadas físicas, mas também as emocionais, de cada pessoa que serve de tela.

Catarina denomina seu estilo como “Caligrafia Sensível”, uma forma de expressão que resgata o legado da caligrafia asiática, mas transforma esse traço clássico em algo mais fluido e contemporâneo. Pintando sobre o corpo humano, ela explora questões de identidade, diversidade e memória. Esse ato de escrever nas peles é como uma arqueologia íntima: as pinceladas não apenas cobrem, mas revelam, capturando fragmentos das histórias pessoais e das memórias ancestrais dos modelos.

Um ponto central no universo de Catarina é sua conexão espiritual com as raízes culturais. Sua herança de Okinawa e suas visitas ao Japão e à China reforçam essa jornada, trazendo um senso de pertencimento e contemplação que permeia sua arte. “É como se, ao pintar, eu também fosse pintada por essas memórias”, afirma Catarina. A artista encontra nas interações com outras culturas e nas trocas de experiências com comunidades como a indígena guarani um reflexo do seu próprio eu. Esses encontros são essenciais para que ela continue se reinventando e nutrindo seu processo criativo.

O trabalho de Catarina é também uma forma de espelhamento. Ao pintar os corpos dos outros, ela absorve e reflete as experiências dessas pessoas, criando uma rede de significados partilhados. Esse processo a leva a uma espécie de troca sincera e quase meditativa com o Outro, que não é apenas uma colaboração, mas uma expansão de suas próprias fronteiras emocionais e espirituais.

No universo de Catarina, memórias são como pigmentos que tingem suas paisagens corporais. Suas pinceladas são silenciosas, mas vibrantes, falando sem palavras sobre as raízes e as pluralidades que compõem sua própria identidade e a daqueles que caligrafa. Com o uso de uma estética de tons suaves e gestos contemplativos, suas obras parecem captar o instante e o eterno, criando um espaço visual que transcende o tempo e convida o espectador a um momento de introspecção.

O universo visual de Catarina Gushiken é um testemunho de como a arte pode ser ao mesmo tempo profundamente individual e coletivamente significativa. Entre montanhas e caligrafias, sua obra fala de uma busca espiritual e da força das memórias ancestrais que habitam em cada um de nós. Através de sua Caligrafia Sensível, Catarina continua a construir pontes entre o passado e o presente, entre o eu e o Outro, revelando a profunda beleza que existe na diversidade e nas camadas da existência humana.