Workshops by Zupi Academy

Marmota vs Milky é um casal de ilustradores formada por Carlos e Fabi. A dupla assina seus trabalhos com cores marcantes e estilo híbrido, fruto da mistura de suas formações em design gráfico, técnicas de arte urbana e flertes com artes plásticas. Já trabalharam como designers, mas foi na ilustração que acharam uma maneira de compartilharem seus pontos de vista. Desde que criaram o Marmota vs Milky já trabalharam com grandes empresas, agências e marcas. Contudo, foi ministrando oficinas que criaram mais oportunidades de conhecer outros artistas e dividir experiências. Pois acreditam que boas conversas fortalecem ideais.

• Breve apresentação da dupla;

• O que é o Lambe-Lambe e sua importância como arte urbana;

• Exposição e análise de intervenções urbanas que usam a técnica de Lambe-Lambe;

• Apresentação de materiais e processos de produção;

• Demonstração de como fazer e aplicar a cola;

• Estudo de criação e montagem;

• Projeto final;

• Aplicação dos trabalhos dos alunos em mural.

Estudantes, designers, ilustradores, fotógrafos, diretores de arte, artistas de rua e quem mais quiser aprender sobre a técnica.

Karol Stefanini, 25 anos, paulista, empresária e graduada em DESIGN. É artista plástica com trabalhos marcantes na área do LETTERING (desenho de letras). Logo pós sua formação, Karol mergulhou de cabeça nesse universo e, desde então, vem escrevendo sua história com letras cheias de estilo e criatividade. Karol é proprietária do Estúdio TipoDela, especializado em trabalhos de design com tipografia, caligrafia e lettering. Cria LOUSAS, PAINÉIS, PINTURAS EM PAREDE e CUSTOMIZAÇÕES. Atualmente a artista segue ministrando WORKSHOPS sobre seu estilo artístico e dá várias dicas sobre essa arte nas redes sociais, principalmente em seu canal no Youtube.

• Introdução
• O que é o Lettering?
• Diferenças entre Tipografia, Caligrafia e Lettering;
• Anatomia das letras/estilos tipográficos;
• Apresentação dos materiais;
• Desenho: volume, sombra e textura;
• Criação do próprio alfabeto;
• Ornamentos/elementos gráficos;
• Harmonia da composição/acabamento;
• Trabalho final

Designers, publicitários, artistas, tatuadores, estudantes, ou ainda, qualquer pessoa que esteja interessado em aprender sobre essa arte.
Não é necessário ter experiência.

Charles Laveso é desenhista e professor de desenhos realistas desde 1994. CEO da maior plataforma do mundo de ensino à distância voltada à técnicas avançadas de desenhos deste seguimento (hoje com mais de 3 Mil alunos). – Vencedor na categoria “Série de Desenhos Preto e Branco para Tatuagens”, por 3 anos consecutivos (2013, 14 e 15) – Tattoo Week SP (maior evento de tatuagens do mundo).
– 2016 / 2017 – Oficinas e Seminários de Desenhos Realistas em Lisboa, Madrid, Valência, Argentina e Bolívia. – Palestrante no Fire 2016 – Um dos maiores eventos no Brasil para empreendedores do Marketing Digital. – Destaque na revista Pequenas Empresas & Grandes Negócios 2016.

• Conhecimento dos materiais para o desenho realista
• O desenho realista e a arte da tatuagem
• As diferenças entre o desenho realista e o desenho artístico
• O brilho e o contraste no desenho realista

À todos que buscam conhecimento na área do desenho, tatuagem, arte final, técnicas avançadas de sombreamentos a lápis de grafite.

Formado em publicidade em propaganda, pós-graduado em Marketing e Negócios, estudou Direção de Arte e Redação na Miami Ad School, tipografia na Panamericana. Já passou pelas agências DAVID/OGILVY, Santa Clara, Neogama e Leo Burnett em São Paulo, professor de Multimídia na Universidade Federal de Juiz de Fora. Acordeonista palestrante no TEDx, Pixel Show, workshops na Zupi, Sesc Pompeia, Faculdade Belas Artes, UFMG e UFPB.

cargocollective.com/joaopaulolopes

www.behance.net/joaopaulolopes

• Captação de clientes
• Xilogravura
• Lettering
• Quilling
• Fotografia

Profissionais, estudantes e interessados em design gráfico, direção de arte ou música.

Rodrigo Falco tem 28 anos, é formado em Design Gráfico, Pós-Graduado em Marketing e é apaixonado por Ilustração e Arte. Já trabalhou como Designer Gráfico e Ilustrador em Agências de Comunicação e empresas de Educação Corporativa e já criou para Faber-Castell, Starbucks, Amarula, O Boticário, Revista Rolling Stone, Unimed, Banco do Brasil e Santander. Atualmente trabalha como Ilustrador e se dedica a criar e compartilhar conteúdo que instigue e desenvolva a criatividade nas redes sociais e YouTube.

• Apresentação e demonstração de aquarela
• Experimentação com os materiais
• Utilização das diferentes técnicas de aquarela
• Profundidade: luz e sombra com aquarela
• Aplicação de todas as técnicas em uma pintura

Designers, artistas, estudantes e profissionais que se interessem em aprender ilustração por hobbie ou para o mercado de trabalho e estiver disposto a por a mão na massa, desenhar e praticar!

Rogério Carnaval “Carne Levare” nasceu e vive em SP onde recebeu influências da contra cultura, skate e movimento punk em sua adolescência e juventude. A caminhada profissional o levou a agências de publicidade como diretor de arte, passando por ateliês de arte como no caso da vivencia que teve como assistente do mestre da colagem Tide Hellmeister. Hoje como artista visual cria trabalhos que transitam pela linguagem da desconstrução, aplicada a vários suportes como papel, cartazes urbanos, madeira e tênis. Seus trabalhos ja passaram por países como França, Portugal e Panamá, este último onde fez eventos em 2014 e 2016 envolvendo calçados como suporte de arte, apoiados pela Converse Panamá.

• Introdução a desconstrução, aplicação em áreas como moda, arquitetura, design gráfico e artes. Palestra com projeção (pode ser substituída por apostila ou conversa)
• Conversa sobra a história do objeto a ser desconstruído e valores agregados.
• Pesquisa referencial e simbólica antes da produção.
• Aplicação da desconstrução no objeto
• Collagem e reconstrução da nova peça visual

Designers, artistas, makers e apaixonados pela criatividade.

Artista com formação acadêmica clássica, óleo sobre tela, aquarela e porcelana.
Atualmente desenvolve trabalhos com aquarelas, marcadores e lápis de cor em Sketch art, Sketchbook e sketch urban, de cunho mais realista e contemporâneo. Os trabalhos tem como foco o uso das cores e suas combinações, em diferentes médias , de modo a dar tridimensionalidade, dramaticidade e luz, dando vida às ilustrações.

• Possibilidades de misturas de técnicas.
• Como misturar sem destruir o trabalho.
• Estudo das formas.
• Estudo das nuances, cores e luz.

Artistas e principiantes que desejam ter mais intimidade com o material artístico, como usá-lo e misturar as técnicas de aquarela, lapis de cor e marcadores, de maneira correta.

Estilista formada pela Faculdade Santa Marcelina com ênfase em ilustração e design têxtil e pós-graduada em Direção de Criação de Moda pela Fundação Armando Álvares Penteado.
Tem experiência na área de Artes, com ênfase em Moda e Estamparia. Atua há mais de 10 anos como designer de superfícies para marcas renomadas da moda brasileira, dentre elas Hering, C&A, Iódice, Carmim, Forum, Fashion Up, Mob, Sandálias Ipanema, Bobinex e etc, adquirindo experiência em criação, produção e acompanhamento dos processos têxteis.
É uma das designers colaboradoras do bureau de tendências têxteis internacional Texitura Magazine.
Tem parceria com a revista Zupi, ministrando cursos e palestras em diversos estados e no evento de criatividade Pixel Show, além da participação em eventos realizados pelo SESC.
Atualmente está a frente de projetos autorais sobre pesquisa e criação de uma estamparia contemporânea e funcional.
É professora de estamparia para graduação e pós graduação na faculdade de moda Santa Marcelina.

• Apresentação sobre o design de superfície: o que é e onde é aplicado

• Moda x Ser Contemporâneo: pesquisa de tendências e universos de criação

• Técnicas e produções: digital x manual

• Desconstrução de uma estampa através dos sistemas de rapport

• Aplicação dos sistemas à partir do estilo estético

• Esqueleto da estampa através do rapport (raciocínio de rapport manual para entender o digital)

Estudantes, designers, profissionais de moda, arquitetos, decoradores, ilustradores, artistas, entusiastas.

Artista visual e arte educador, trabalha a mais de 15 anos desenvolvendo instalações, esculturas multimídia e também trabalha com processos criativos de aprendizagem utilizando artes, ciência e tecnologia em seus trabalhos e oficinas.
Suas oficinas já circularam a Rede Sesc, Escola do Futuro – USP, Ministério da Cultura, MIS, Itaú Cultural, Governo de São Paulo, Embaixada dos EUA , Museu do Amanhã.
Dentro dos projetos de educação tem desenvolvido a pedagogia Maker ( ou aprendizagem criativa) que refere-se ao “movimento maker”, uma extensão da cultura faça você mesmo ou, em inglês, do-it-yourself (ou simplesmente DIY), baseada na ideia de que qualquer pessoa pode construir, consertar, modificar e fabricar os mais diversos tipos de objetos e projetos por conta própria, empoderando jovens e crianças para resolução de problemas.

Oficina prática onde cada participante produzirá uma máquina desenhista. Os participantes também podem manipular as máquinas levadas pelo artista.

Oficina aberta

Alexandre Soma atuou na criação de importantes projetos gráficos da Zupi Editora: o livro do grafiteiro Honesto, o Estética Marginal #01 e a Revista Voxel. Ganhou concursos da Levi’s e da Motorola e participou da mostra internacional TROYART – MuBE. É professor de diagramação modular com uma didática inovadora de sua autoria. Já levou seu conhecimento para mais de 500 alunos em todo Brasil.

Designers, fotógrafos, jornalistas, ilustradores, publicitários, estudantes e profissionais de áreas que envolvam o layout, o trabalho em materiais gráficos e/ou a comunicação visual.

Galo, nasceu em São Bernardo do Campo, formou-se em Arquitetura e Urbanismo em 2003, desde 1998 participa de exposições coletivas e individuais, em 2009 passou a se dedicar a linguagem do graffiti, desde então participou de algumas exposições, como a 2º Bienal de Graffiti Fine Art no Mube ( Museu Brasileiro de Escultura) que ocorreu em 2013 em São Paulo, participou do Festival ARD*POP-UP que aconteceu na cidade de Oslo, na Noruega, recentemente participou do Festival ATACARTE Del Norte Bravos Hijos, que aconteceu em 2017 na cidade de Cúcuta, na Colombia.

• Descrição de processos criativos individuais.
• Mapeamento de Estruturas Criativas
• Referências visuais constantes.
• Diferença entre Referência e Cópia.
• Exercício de processo criativo I – Cadavre Exquis – Formação de Frase Título.
• Exercício de processo criativo II– Cadavre Exquis – Formação de Desenho a partir de frase composta.
• Exercício de processo criativo III– Cadavre Exquis – Desenho coletivo
• A Relação do Artista e o mundo que o cerca.

Artistas, Designers, Grafiteiros, Público em geral.

• Breve apresentação do estúdio
• Como utilizar a técnica de papercraft em diferentes projetos
• Apresentação de materiais/ferramentas
• Processo de produção (modelagem, planificação e montagem)
• Demonstração de como vincar, cortar e colar
• Projeto final

Estudantes, designers, ilustradores, fotógrafos, diretores de arte, arquitetos, vitrinistas e para os demais curiosos que queiram conhecer sobre a técnica.

Silvio Acherboim acumula mais de 36 anos de experiência em vendas, setor em que atuou como executivo de empresas líderes nos seus segmentos, como SENAI, Siemens, Earset do Brasil e Memphis. Há 17 anos ele resolveu afrouxar a gravata e investir em algo que acredita: educação. Assim surgiu a SMSA – Treinamentos, em 2001, na cidade de São Paulo, para oferecer às corporações treinamentos inspirados em uma metodologia única de alta aderência de conteúdo.
Em 2016 a SMSA dá lugar a Acher Consultoria e Treinamento que traz em sua essência o nome de família de Silvio e amplia sua gama de serviços abrangendo também o Coaching e o Mentoring em seu leque produtos.

Todos que queiram inovar, criar e comercializar produtos e serviços novos e diferentes.

Sabrina Eras é ilustradora e trabalha no mercado de ilustração para livros e revistas, em sua maioria infantis e infanto-juvenis. Migrou do digital para técnicas tradicionais e se apaixonou. Mergulhou nesse mundo e começou a vender seus trabalhos internacionalmente, inclusive participando de várias exposições e galerias de arte. Em 2013 passou a dar aulas e workshops de Aquarela e Processo Criativo em escolas de arte, eventos de ilustração e design e aulas online.

• Material, como diferenciar e escolher
• Papel, Pigmentos e Pincéis
• Manchas Variadas
• Degradês e fusões
• Transparência e sobreposição

É um workshop bem livre, não se limitando somente a interessados em trabalhar na área, mas também àqueles que querem aprender a técnica como hobbie.

Pá Falcão é Game Designer, um Ser Brincante no Planeta Terra a Serviço de um Mundo Melhor. É Consultora em desenvolvimento de Pessoas e Organizações através de Jogos, Gamification, Design Thinking e Transdisciplinaridade. Tem vários jogos empresarias já desenvolvidos e alguns prêmios internacionais. É professora universitária e autora de vários livros, além de conferencista internacional.

Denise Scalon é Artista Têxtil e entre outras coisas se dedica a desenvolver tabuleiros de jogos feitos de patchwork. Tem um ateliê em São Paulo aonde dá aulas e treinamento de manuseio de máquinas de costura. Trabalhou em loja de quilt em Miami, FL aonde aprendeu técnicas de combinação de cores e utilização de materiais diversos dentro de Art Quilt. Participa de exposições nacionais e internacionais em festivais de quilt.

• Fundamentos de Game Design para Jogos Abstratos
• Como fazer a “trama” do tabuleiro
• O valor da cor no design de tabuleiros
• Texturas e reaproveitamento em Jogos de Tabuleiro
• Construção física dos tabuleiros

Game Designers, Designers Gráficos que querem ir além, Artesãos e todos que gostem de jogar e trabalhar com as mãos.

Paulo Brazyl, 56 anos, artista da imagem, desde 2005 coordena o projeto Do Furo Ao Pixel. Influenciado pelo seu trabalho constante de pesquisa e experimentação, sua atuação se caracteriza pela aplicação de materiais e tecnologias – analógicas e digitais – para a produção de conteúdos nos mais diversos formatos.

A proposta compreende a produção de um mosaico orientado pela técnica LAMBE – LAMBE incluindo a participação dos inscritos durante um período da produção na forma de um workshop quando será apresentada a proposta de trabalho, detalhamento do processo criativo e das técnicas utilizadas e a participação direta de todos em parte da produção da composição.

Fotógrafos, artistas plásticos, designers gráficos, e demais praticantes e interessados por artes visuais

Foi nas férias de verão de 1998 que Caio Morel, entediado, resolveu brincar de massinha de modelar. Brincando disse que faria o seu tio. E fez. a brincadeira começou aqui, cheia de entusiasmo e capricho, mas ainda sim era uma brincadeira.

A vida continuou e em 2005 formou-se em publicidade e seguiu trabalhando como diretor de arte em agências da cidade de são paulo. Quatro anos mais tarde resolveu apostar tudo no seu talento, afim de torná-lo a sua profissão. Naquela época não imaginava que as possibilidades com a modelagem poderiam ser tão amplas e generosas.

Hoje, com uma equipe de profissionais que lhe dão suporte para transformar suas ideias e as dos clientes em peças incríveis, o estúdio atende agências de publicidade, estúdios de design, grandes empresas e possui uma loja própria em vinhedo.

Além do trabalho dentro do estúdio, caio ministra workshops e cursos em vários estados do brasil em parceira com empresas que acreditam na força do seu trabalho e expressão artística.

Conheça esse trabalho inspirador!

• Esqueleto de arame
• Tipos de materiais disponíveis no mercado
• Processo de Modelagem
• Produção em resina

O público alvo desse workshop são pessoas curiosas, pacientes e dispostas a ter um primeiro contato com uma arte que exige concentração do aluno. Não é necessário que o participante tenha algum contato prévio com arte. (lógico que se tiver, o aproveitamento dessas horas será mais eficaz)

Começou a fazer graffiti em 2002, Mestre em Artes Visuais (Processos Criativos e Poéticas do Cotidiano) pela Universidade Federal de Pelotas. Explora a escrita na sua condição de linguagem visual. Seu trabalho no graffiti e nas artes visuais está voltado para a caligrafia e assim, tangencia o oficio do calígrafo: entre memória, técnicas e criatividade. Atualmente, converge seus esforços na compreensão dos códigos visuais a partir de uma recodificação do alfabeto, referência prática para a criação de sua própria linguagem visual, com regras próprias. Com seus 15 anos de carreira o artista já participou de inúmeros eventos, dentre eles alguns encontros nacionais e internacionais de graffiti, exposições coletivas e uma individual. Trabalha com freela e desenvolve estampas para algumas marcas como Bastard Wear e BatCat Tattoo Wear.

Designers, tatuadores, artistas, estudantes e amantes das letras.

Sabrina Eras é ilustradora e trabalha no mercado de ilustração para livros e revistas, em sua maioria infantis e infanto-juvenis. Migrou do digital para técnicas tradicionais e se apaixonou. Mergulhou nesse mundo e começou a vender seus trabalhos internacionalmente, inclusive participando de várias exposições e galerias de arte. Em 2013 passou a dar aulas e workshops de Aquarela e Processo Criativo em escolas de arte, eventos de ilustração e design e aulas online.

• Introdução aos materiais
• Valores: pra que serve como usar
• Técnicas variadas de nanquim (pincel, caneta, bico de pena…)
• Exercícios práticos de como trabalhar o nanquim e a aquarela
• Produção de Ilustração com as duas técnicas ensinadas

É um workshop bem livre, com demonstrações e exercícios práticos que pessoas tanto com interesse em trabalhar no ramo de ilustração e quadrinhos, quanto quem quer aprender só como hobbie, irá aproveitar muito.

Rodrigo Falco tem 28 anos, é formado em Design Gráfico, Pós-Graduado em Marketing e é apaixonado por Ilustração e Arte. Já trabalhou como Designer Gráfico e Ilustrador em Agências de Comunicação e empresas de Educação Corporativa e já criou para Faber-Castell, Starbucks, Amarula, O Boticário, Revista Rolling Stone, Unimed, Banco do Brasil e Santander. Atualmente trabalha como Ilustrador e se dedica a criar e compartilhar conteúdo que instigue e desenvolva a criatividade nas redes sociais e YouTube.

• Apresentação e demonstração de aquarela
• Experimentação com os materiais
• Utilização das diferentes técnicas de aquarela
• Profundidade: luz e sombra com aquarela
• Aplicação de todas as técnicas em uma pintura

Designers, artistas, estudantes e profissionais que se interessem em aprender ilustração por hobbie ou para o mercado de trabalho e estiver disposto a por a mão na massa, desenhar e praticar!

Karol Stefanini, 25 anos, paulista, empresária e graduada em DESIGN. É artista plástica com trabalhos marcantes na área do LETTERING (desenho de letras). Logo pós sua formação, Karol mergulhou de cabeça nesse universo e, desde então, vem escrevendo sua história com letras cheias de estilo e criatividade. Karol é proprietária do Estúdio TipoDela, especializado em trabalhos de design com tipografia, caligrafia e lettering. Cria LOUSAS, PAINÉIS, PINTURAS EM PAREDE e CUSTOMIZAÇÕES. Atualmente a artista segue ministrando WORKSHOPS sobre seu estilo artístico e dá várias dicas sobre essa arte nas redes sociais, principalmente em seu canal no Youtube.

• Introdução
• O que é o Lettering?
• Diferenças entre Tipografia, Caligrafia e Lettering;
• Anatomia das letras/estilos tipográficos;
• Apresentação dos materiais;
• Desenho: volume, sombra e textura;
• Criação do próprio alfabeto;
• Ornamentos/elementos gráficos;
• Harmonia da composição/acabamento;
• Trabalho final

Designers, publicitários, artistas, tatuadores, estudantes, ou ainda, qualquer pessoa que esteja interessado em aprender sobre essa arte.
Não é necessário ter experiência.

Iniciantes, designers e/ou ilustradores com interesse na técnica de arte com giz e composições em grande formato.

Ilustradora, designer gráfico e artista visual freelancer, Brunna Mancuso trabalha no mercado criativo desde 2006 e é, principalmente, uma desenhista e criativa compulsiva. Tem vasta experiência na área e hoje atua no mercado editorial e publicitário, mas também vê no seu trabalho autoral um ótimo campo para ser livre, criar e explorar novos caminhos visuais. Seu trabalho pode ser descrito como bold, moderno e feminino, onde ganhou destaque pelas suas ilustrações com aquarela.

Para todos aqueles que procuram ter um estilo pessoal no desenho. Nível: Iniciante e Intermediário

Lia Fênix é uma artista de Itu, interior de SP, suas obras são recheadas de cores e ludicidade, trazendo a mulher como tema principal de praticamente todo seus trabalhos, explorando para isso mídias que vão da delicadeza sublime da aquarela ao grito potente do graffiti em meio ao cinza urbano.

• Apresentação
• Tipos de encadernação
• Execução de Encadernação Japonesa
• Execução de Encadernação Long Stich

Pessoas criativas com habilidades manuais e acima de 15 anos.

Alexandre Soma atuou na criação de importantes projetos gráficos da Zupi Editora: o livro do grafiteiro Honesto, o Estética Marginal #01 e a Revista Voxel. Ganhou concursos da Levi’s e da Motorola e participou da mostra internacional TROYART – MuBE. É professor de diagramação modular com uma didática inovadora de sua autoria. Já levou seu conhecimento para mais de 500 alunos em todo Brasil.

Designers, fotógrafos, jornalistas, ilustradores, publicitários, estudantes e profissionais de áreas que envolvam o layout, o trabalho em materiais gráficos e/ou a comunicação visual.

Michel Ramalho é ilustrador e quadrinista, e atua com trabalhos para revistas como Recreio, Picolé (Coquetel), fez diversos trabalhos para literatura adulta, juvenil e infantil e atua também no mercado publicitário fazendo ilustrações para clientes como Warner Music, Claro, Fiat, WSL (World Surf League), Land Rover, Livraria Cultura, Embratur, entre outros. Trabalhou como cenarista para o Studio Birdo, e também participou de projetos ao lado do Studio Ovelha Negra e outros. Como quadrinista já fez trabalhos de cor base em Edgar (Gustavo Borges), cor para capa de Horizonte de eventos (Ricardo Faganholo), participou como desenhista na HQ “Samurai” (Mylle Silva), Beltranos e Beltranas (Pedro Hutsch Balboni), cor para “ Até o fim” (com roteiro de Eric Peleias e arte de Gustavo Borges), De noite amanheço (autoria própria), “I wanna be Dino” (autoria própria), “Dois”(autoria própria) e autor da HQ “Légume”.

• Introdução – De onde vem as ideias?
• Pesquisa e referências – O que te inspira e como usar isso a seu favor?
• Thumbnails, experimentação de poses e composição – Hora de colocar colocar os primeiros tijolinhos do castelo!
• Paleta de cores – Hora de dar o tom da sua obra!
• Colorização e finalização – Um presente seu para o mundo!

Estudantes, ilustradores, curiosos e qualquer pessoa que tenha interesse em conhecer o processo criativo de uma obra, desde a concepção da ideia até sua finalização.

Começou a fazer graffiti em 2002, Mestre em Artes Visuais (Processos Criativos e
Poéticas do Cotidiano) pela Universidade Federal de Pelotas.
Explora a escrita na sua condição de linguagem visual. Seu trabalho no graffiti e nas
artes visuais está voltado para a caligrafia e assim, tangencia o oficio do calígrafo: entre
memória, técnicas e criatividade. Atualmente, converge seus esforços na compreensão dos
códigos visuais a partir de uma recodificação do alfabeto, referência prática para a criação de
sua própria linguagem visual, com regras próprias.
Com seus 15 anos de carreira o artista já participou de inúmeros eventos, dentre eles
alguns encontros nacionais e internacionais de graffiti, exposições coletivas e uma individual.
Trabalha com freela e desenvolve estampas para algumas marcas como Bastard Wear e
BatCat Tattoo Wear.

Designers, tatuadores, artistas, estudantes e amantes das letras.

Design Thinker com sólida experiência no desenvolvimento de produtos em Telecom, Meios de Pagamento e Entretenimento, desenvolve atividades com o objetivo de ajudar pessoas e empresas a se tornarem mais inovadoras e estimular a transformação da mentalidade tradicional para soluções de problemas através do Design Thinking utilizando ferramentas de empatia, cocriação e experimentação.

Todos interessados em conhecer na prática uma abordagem para solução de problemas, focada nas necessidades reais do mercado e sobretudo nas pessoas, através da empatia, cocriação e experimentação.

Estilista formada pela Faculdade Santa Marcelina com ênfase em ilustração e design têxtil e pós-graduada em Direção de Criação de Moda pela Fundação Armando Álvares Penteado.
Tem experiência na área de Artes, com ênfase em Moda e Estamparia. Atua há mais de 10 anos como designer de superfícies para marcas renomadas da moda brasileira, dentre elas Hering, C&A, Iódice, Carmim, Forum, Fashion Up, Mob, Sandálias Ipanema, Bobinex e etc, adquirindo experiência em criação, produção e acompanhamento dos processos têxteis.
É uma das designers colaboradoras do bureau de tendências têxteis internacional Texitura Magazine.
Tem parceria com a revista Zupi, ministrando cursos e palestras em diversos estados e no evento de criatividade Pixel Show, além da participação em eventos realizados pelo SESC.
Atualmente está a frente de projetos autorais sobre pesquisa e criação de uma estamparia contemporânea e funcional.
É professora de estamparia para graduação e pós graduação na faculdade de moda Santa Marcelina.

• Proposta de tema-desafio, tendência +conceito de identidade e sensações do desenho

• Função do design de superfície/ Significados e conceitos através da história

• Cores para estamparia e estúdios

• Elementos

• Ritmo e movimento

Estudantes, designers, ilustradores, fotógrafos, diretores de arte, artistas de rua e quem mais quiser aprender sobre a técnica.

Formada em design pela Universidade de Sorocaba, atua como designer e ilustradora com foco em aquarela. Produz conteúdo de arte para as redes sociais e YouTube, como tutoriais, dicas e processos de pintura. Ilustrou livros, artigos e projetos personalizados. Ministra cursos e workshops para artistas com o objetivo de ajuda-los a encontrar seu estilo e conquistar seu espaço como artista.

• Materiais
• Cor
• Texturas
• Forma e composição
• Montagem de Portfolio

Estudantes, profissionais das áreas de criação e design, interiores, artes, moda, decoração, têxtil e interessados em geral.

“Mosko nasceu em São Paulo em 1987”. Possui certificados em História da Arte, Arte brasileira e em Arte contemporânea. Iniciou artisticamente em uma trajetória autodidata passando por influências como HQ’s, ilustração e desenho artístico; através do Hip-Hop tem contato com a técnica do grafite. Atuou como Arte educador em oficinas culturais de 2003 à 2014. Marcou presença em projetos sociais e culturais, participou de exposições coletivas sendo artista convidado em eventos, workshops e murais de grafite. Ganha menção honrosa em 2013 no circuito Mapa Cultural Paulista, em junho de 2016 recebe sua primeira exposição individual “cumulus” exposição esta que apresenta sua pesquisa em grafismo infantil e materiais descartados, no mesmo ano participa da exposição coletiva na ArtLab Gallery em São Paulo. Artista premiado em concursos para Revista Computer Arts, Close-up e Secretaria de Educação de São Paulo. Mosko atualmente é arte educador e diretor de arte, pesquisa e produz seu trabalho em seu ateliê na cidade São Paulo.”

• História: o primeiro molde, o primeiro artista
• Conhecendo a técnica
• Criando seu molde: aplicação
• De Alex Vallauri a banksy
• Stencil no computador e mercado

Jovens a partir de 16 anos, artistas, professores e curiosos sobre artes