Em um mundo dominado por ferramentas automatizadas e soluções prontas, Soma defende a importância de reconectar o designer com o pensamento manual e analógico. A proposta não se trata de abandonar a tecnologia, mas de utilizá-la de forma mais consciente e estratégica. O método estimula a prática de atividades que antecedem o uso da máquina, como o esboço manual, o brainstorming livre e o desenvolvimento de conceitos de forma mais espontânea.

Para ele, o design se fortalece quando o profissional exercita a criatividade antes de abrir um software. Isso permite que as ideias sejam mais autênticas, menos automatizadas e, principalmente, mais humanas. Soma acredita que o design, antes de ser digital, precisa ser conceitual e emocional, pois a tecnologia só executa o que a mente humana já criou.

O universo nostálgico de Marjô é uma combinação de influências pessoais e culturais. Suas telas remetem às crônicas urbanas de outrora, quando detalhes da vida cotidiana eram registrados com a sensibilidade de um poeta. Essa nostalgia não se limita a um tempo específico, mas se espalha em camadas de emoções universais: o lar, a família, a simplicidade de um momento compartilhado.

Ao mesmo tempo, ela incorpora às suas pinturas elementos contemporâneos, especialmente do universo pop. Objetos de uso cotidiano, como uma embalagem de refrigerante ou um eletrodoméstico antigo, surgem em cena, misturando passado e presente e criando uma sensação de atemporalidade.

Marjô transita com maestria entre gêneros tradicionais da pintura, como o retrato e a natureza-morta, integrando-os de maneira única. Seus retratos a óleo trazem uma complexidade emocional que transforma cada personagem em protagonista de uma história não contada, enquanto os elementos da natureza-morta adicionam profundidade e contexto à narrativa.

Essa fusão de estilos é parte do que torna o trabalho de Marjô tão singular. Ao explorar memórias através de objetos, ela cria uma conexão imediata com o espectador, que se reconhece nas cenas representadas, seja pela semelhança com suas próprias vivências ou pela carga emocional transmitida.

O trabalho de Marjô Mizumoto também se destaca por trazer uma perspectiva feminina à pintura contemporânea. Suas obras capturam a essência das experiências diárias, frequentemente atravessadas por uma sensibilidade que coloca a mulher como protagonista, não apenas na cena retratada, mas também na criação do significado.

Marjô Mizumoto é uma artista que convida o espectador a redescobrir a beleza nas pequenas coisas. Sua habilidade em capturar o ordinário e transformá-lo em algo extraordinário é uma celebração da vida, das memórias e das histórias que nos conectam como humanos. Suas obras são um lembrete de que o cotidiano pode ser arte, e a nostalgia, uma ponte para o presente.

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Catarina frequentemente utiliza formas montanhosas para representar os contornos dos corpos que ela pinta. Esse recurso visual não é apenas uma escolha estética, mas carrega consigo significados profundos. Para a artista, as montanhas simbolizam raízes e permanência, ligadas às suas próprias heranças culturais japonesas e okinawanas. Elas remetem a uma fortaleza silenciosa e imutável, que testemunha e guarda as histórias da humanidade. Em sua obra, essas montanhas desenhadas no corpo representam não só as camadas físicas, mas também as emocionais, de cada pessoa que serve de tela.

Catarina denomina seu estilo como “Caligrafia Sensível”, uma forma de expressão que resgata o legado da caligrafia asiática, mas transforma esse traço clássico em algo mais fluido e contemporâneo. Pintando sobre o corpo humano, ela explora questões de identidade, diversidade e memória. Esse ato de escrever nas peles é como uma arqueologia íntima: as pinceladas não apenas cobrem, mas revelam, capturando fragmentos das histórias pessoais e das memórias ancestrais dos modelos.

Um ponto central no universo de Catarina é sua conexão espiritual com as raízes culturais. Sua herança de Okinawa e suas visitas ao Japão e à China reforçam essa jornada, trazendo um senso de pertencimento e contemplação que permeia sua arte. “É como se, ao pintar, eu também fosse pintada por essas memórias”, afirma Catarina. A artista encontra nas interações com outras culturas e nas trocas de experiências com comunidades como a indígena guarani um reflexo do seu próprio eu. Esses encontros são essenciais para que ela continue se reinventando e nutrindo seu processo criativo.

O trabalho de Catarina é também uma forma de espelhamento. Ao pintar os corpos dos outros, ela absorve e reflete as experiências dessas pessoas, criando uma rede de significados partilhados. Esse processo a leva a uma espécie de troca sincera e quase meditativa com o Outro, que não é apenas uma colaboração, mas uma expansão de suas próprias fronteiras emocionais e espirituais.

No universo de Catarina, memórias são como pigmentos que tingem suas paisagens corporais. Suas pinceladas são silenciosas, mas vibrantes, falando sem palavras sobre as raízes e as pluralidades que compõem sua própria identidade e a daqueles que caligrafa. Com o uso de uma estética de tons suaves e gestos contemplativos, suas obras parecem captar o instante e o eterno, criando um espaço visual que transcende o tempo e convida o espectador a um momento de introspecção.

O universo visual de Catarina Gushiken é um testemunho de como a arte pode ser ao mesmo tempo profundamente individual e coletivamente significativa. Entre montanhas e caligrafias, sua obra fala de uma busca espiritual e da força das memórias ancestrais que habitam em cada um de nós. Através de sua Caligrafia Sensível, Catarina continua a construir pontes entre o passado e o presente, entre o eu e o Outro, revelando a profunda beleza que existe na diversidade e nas camadas da existência humana.